ИСКУССТВО ФРАНЦИИ. ИМПРЕССИОНИЗМ. ПОСТИМПРЕССИОНИЗМ

Огромное влияние на мировое искусство во второй половине XIX — начале XX века продолжало оказывать французское искусство. Его развитие в этот период характеризуется разнообразием творческих исканий, зарождением и развитием новых течений.

Новые искания во французской живописи связаны в этот период с творчеством Э.Мане, Э. Дега и близких к ним художников — импрессионистов. Импрессионизм — крупное художественное течение в искусстве XIX века. Оно зародилось во Франции в 1860-х годах, его название происходит от французского impression (впечатление) по названию картины Клода Моне «Впечатление. Восходящее солнце» (Impression. Soleil levant»), показанной в 1874 г. вместе с работами других молодых художников на выставке «независимых» художников в фотоателье Надара в Париже. Это была первая выставка импрессионистов, хотя к тому времени ведущие представители импрессионизма были уже сформировавшимися художниками. Импрессионизм — сложное художественное явление, вызывающее и в наши дни противоречивые оценки. Это отчасти объясняется тем, что с ним были связаны художники с ярко выраженной индивидуальностью, часто с весьма несходными творческими исканиями.Молодые представители этого течения называли себя последователями Курбе.

Огюст Курбе происходил из семьи фермера, ставшего позже мэром города. Первые его самостоятельные работы относятся к середине 1840-х годов — это картины церковного содержания, ряд романтических по характеру композиций, а также несколько автопортретов и портретов.

Импрессионизм, особенно на первых этапах своего развития, активно противостоял официальному академическому искусству.

Они старались запечатлеть самые простые мотивы современной жизни, природы, которые прежде редко привлекали внимание художников. Протестуя против сухости академического искусства, против его штампов и схем, импрессионисты стремились передать всю свежесть своих непосредственных впечатлений о действительности — красочное богатство видимого мира, его разнообразие и изменчивость. Для импрессионизма характерны поиски нового творческого метода, разработка новых средств художественной выразительности. Это прежде всего своеобразное понимание композиции — свободной, непосредственной, как бы случайной, интерес к передаче динамики окружающего мира.

Особое внимание уделялось живописным проблемам, передаче света и воздуха. Выдвигая, как обязательное, требование работы на пленэре, импрессионисты обогатили живопись многими колористическими достижениями. Стремясь прежде всего наиболее непосредственно передать окружающий их мир, импрессионисты придавали ведущее значение зрительному впечатлению. Они фиксировали мимолетные, беглые зрительные впечатления с необычайной достоверностью. Импрессионисты великолепно передавали природу, напоенную солнцем и воздухом, радужное мерцание красок, переливы света. Они запечатлели на своих полотнах пленительную красочность и динамику современной жизни.

Картины импрессионистов не помогали зрителям почувствовать пейзаж, их взоры невольно задерживались на своеобразной фактуре полотен, на их техническом исполнении. На полотнах текстура не совпадала с изображаемым, не была строго связана с объектом, а стремилась играть самостоятельную роль. Эта текстура достигалась свободным нанесением красок и, переломляясь в каждом мазке, создавала непонятную декомпозицию картины. Декомпозиция глубоко проникала в импрессионистскую живопись, пронизывала все ее составные части.

В то время, как художники академического стиля пытались следовать требованиям цветовой эстетики, основываясь на гармонически составленной палитре, заключенной в ограниченную гамму тщательно смешанных и рассчитанных красок в теплых тонах, импрессионисты играли своими свободно звучащими красками, зачастую не смешанными, выдавленными на полотно прямо из тюбиков. Они взрывали границы классической цветовой гаммы, применяли новые, неожиданные тона, например, кобальт, фиолетовую, чисто желтую краски в портретной или пейзажной живописи. Они извлекали из своей палитры жизнерадостный, импровизированный колористический эффект.

Старые, выработанные в художественных ателье рецепты смешения и разведения красок, наложения их слоями, добавления различных смесей для получения ровной, твердой, прозрачной поверхности картины уступали место технически более мобильной, послушной руке художника живописи «alia prima» (итал. — с первого раза), признававшейся наипростейшим и примитивным способом обращения с краской. Краски ложились на полотна необработанные, нахлестанные грубыми короткими мазками кисти, словно хлопья. Их не выравнивали, не смешивали. Импрессионисты обладали буквально аппетитом к краскам в тюбиках. Они накладывали их нарочитыми мазками, как будто хотели придать особое значение их материальности, чтобы появилось желание попробовать на вкус эту сверкающую жиром краску.

Вот что писала об импрессионистах консервативная пресса. В газете «La France» Мариус Вашон, скрывавшийся под псевдонимом, сообщил: «Группа художников, которая в гротескном сумасбродстве выступила под варварским наименованием «импрессиолисты» в помещении Дюран Ривеля, устроила выставку, которую мы ни в коем случае не можем посоветовать никому посещать. Это было бы явно неприятной тратой времени. Импрессионисты — это люди, поставившие перед собой задачу опрокинуть все правила, делать все наперекор другим, ни в малейшей степени не заботясь о здравом смысле и верности природе. Они изображают деревья красными и желтыми, дома — индиго-синими, воду карминнокрасной или алой, как маки.

Искусство Эдуарда Мане, одного из крупнейших живописцев конца XIX века, тесно связано с традициями французского реализма. В то же время этот художник явился реформатором французской живописи, во многом наметил пути ее дальнейшего развития. Э. Мане, не удовлетворенный методом своего учителя, известного художника-академиста Тома Кутюра, покинул мастерскую, завершил свое художественное образование самостоятельно, изучая и копируя работы великих мастеров прошлого: Веласкеса и Гойи, Джорджоне и Тициана, картины его современника Делакруа. К ранним работам Э.Мане относится «Завтрак на траве» — картина на современный сюжет, в которой художник следует замыслу «Сельского концерта» Джорджоне. Публика была шокирована дерзостью художника, поместившего рядом с молодыми людьми в современных костюмах нагую женщину. Этот сюжет давал художнику прекрасную возможность по-новому показать человеческие фигуры, в том числе обнаженное тело в пейзаже, передать яркий, солнечный свет, ослепительные краски ясного дня, ощущение воздуха.

Аналогичная история произошла и со следующим большим произведением Э.Мане — «Олимпией». Эту картину нельзя было назвать традиционной, хоть художник и отталкивался от тициановской «Венеры». Картина исполнена в необычной для того времени манере с сопоставлением больших освещенных и затемненных планов: обнаженная фигура на светлом ложе и рядом — темная стена, негритянка-служанка, черная кошка и яркое цветовое пятно сверкающего букета пестрых цветов. Она написана широкими выразительными мазками, оживающими при взгляде с определенного расстояния.

Излюбленный жанр импрессионистов — пейзаж — не занимал в творчестве художника большого места, несмотря на то, что им был создан ряд первоклассных пейзажей, в частности, марин. Мане предпочитал фигурные композиции и портреты. К числу его лучших портретных работ относится выполненный в духе Хальса портрет гравера Бело, известный под названием «Кружка пива», портрет гравера де Бутена, воссоздающий характерный образ представителя французской богемы.

В 1880-е годы, несмотря на тяжелую болезнь, Мане продолжает работу. Он часто изображает теперь цветы и пишет замечательные натюрморты. Натюрморты Мане принадлежат к высоким достижениям французского искусства, созданным в этом жанре. Уже будучи больным, он создает один из своих шедевров — «Бар в Фоли

Бержер», где в последний раз показывает шумную и блестящую жизнь Парижа, которую он страстно любил.

Работы Мане повлияли на многих французских художников конца XIX века. Уже в конце 1860-х годов около него группируется ряд молодых живописцев — К.Моне, О. Ренуар, Б. Моризо, А. Сислей и другие, стремящиеся следовать Мане в сюжетах и живописных приемах. По месту собрания этих художников, в кафе Гербуа на Гранрю де Батиньоль в Париже, они получили название батиньольской школы. Вскоре эта группа оформилась в течение импрессионистов.

С импрессионизмом был тесно связан крупнейший художник этого времени Эдгар Дега.

Он был одним из организаторов и участником почти всех выставок импрессионистов. Он занимает в этом течении особое место. С импрессионизмом его роднят стремление запечатлеть динамику современной жизни, интерес к передаче света, некоторые живописноколористические искания. Ho в то же время он отрицал очень многое в методе импрессионизма, в частности, не одобрял их приверженность зрительному впечатлению, считая слишком пассивным их подход к действительности. Дега отрицал работу на пленэре и почти все свои работы создал в мастерской. Дега прошел академическую школу в мастерской ученика Энгра — Луи Ламотта. Увлечение Энгром и Пуссеном сказалось во многих ранних работах художника, решенных в классицистическом духе («Состязание спартанских юношей и девушек»). В дальнейшем Дега обращается исключительно к изображению современной жизни. Характерные особенности мастерства Дега раньше всего проявились в его портретах, многие из которых могут быть названы в числе лучших образцов портрета Нового времени. Они отличаются серьезностью, тонкостью психологических характеристик, своеобразием композиционных решений, утонченным мастерством колорита, правдивостью и точностью передачи модели. Среди них можно назвать «Портрет семьи Бел- лели», «Портрет отца художника» и др.

Жанровые работы Дега составляют блестящую картину нравов Парижа. Тематика их очень разнообразна и охватывает многие явления действительности. Дега часто концентрирует свое внимание на малопривлекательных сторонах действительности, передает их с беспощадностью, присущей его скептическому уму. Это свойственно его картинам, изображающим жизнь богемы, посетителей кафе, певиц. Так, в известной картине «Абсент» Дега удалось с большой реалистической убедительностью и остротой запечатлеть характерную сцену современной жизни, создать выразительные образы двух опустившихся людей.

Излюбленной темой творчества Дега были театр, балет. Художник с равным мастерством изображает и скучные, утомительные будни балерин, уроки-репетиции, сцены в уборных, и красочную, праздничную феерию балетных спектаклей.

Его палитра светлеет, он пользуется чистым цветом, накладывает его раздельными мазками и штрихами. Художник проявляет большой интерес к передаче света — преимущественно искусственного — и воздуха.

В поздний период творчества Дега работал преимущественно в технике пастели, часто изображая обнаженную натуру. Это обычно женщины, занятые умыванием, расчесыванием волос, выходящие из ванной, одевающиеся. Художник остро фиксирует в этих работах разнообразные, порой неловкие и некрасивые движения человеческого тела. Однако все эти произведения отмечены высоким, оригинальным мастерством.

Кроме картин маслом и пастелей, Дега оставил много произведений графики. Он выполнил также ряд скульптур (балерины, обнаженная натура, жокеи с лошадьми), главным образом, в конце жизни, когда ввиду почти полной потери зрения был лишен возможности работать в живописи.

Дега оказал огромное влияние на многих французских художников конца XIX века, в частности, на так называемых «художников Монмартра». Наиболее значительным из последователей Дега был А. Тулуз-Лотрек, тонкий колорист, много работавший в плакате и создавший в ряде литографий выразительные образы парижской богемы.

Иной характер имеет творчество Ренуара — одного из самых видных представителей импрессионизма. В отличие от Дега это был жизнерадостный художник, запечатлевший на своих полотнах поэтические образы современных ему парижанок и красочные сцены парижской жизни. Тринадцатилетним мальчиком Огюст был отдан на керамический завод, где быстро овладел искусством росписи фарфора. Нанесение ярких красок на сверкающую белую поверхность посуды в дальнейшем оказало известное воздействие на живописную манеру Ренуара, на его любовь к чистому, нарядному цвету. С появлением механического способа росписи фарфора Ренуар оказался не у дел. Ему удалось устроиться в мастерскую, где он расписывает веера. В это время его увлекают Ватто, Ланкре, Буше — художники, картины которых часто воспроизводятся на веерах. Собрав небольшие сбережения, Ренуар поступает в Школу изящных искусств, обучается в ателье Глейра. Его картины, выполненные в конце 1860-х годов, в частности, «Лягушатник», знаменуют начало импрессионистского периода в творчестве художника. В этой картине его интересует не только изображение толпы на берегу среди зелени парка, но и передача самой атмосферы летнего дня, воздуха и света на солнце и в тени, богатства красочных оттенков цветовых бликов на колышущейся поверхности воды. Он добивался единства и естественности композиции и поразительной жизненности изображаемого: движутся люди, по воде пробегает рябь, колеблемая дуновением ветра, шелестит листва деревьев.

Еще в конце 1860-х годов Ренуар посещает кафе Гербуа, где собирались художники нового направления. Он выступает одним из организаторов и участников первой выставки импрессионистов (1874 г.) и некоторых последующих выставок. В эти годы он пишет. преимущественно портреты и жанровые картины, уделяя некоторое внимание пейзажу. Среди портретов Ренуара наиболее удачны детские и женские — такие его работы, как «В ложе», «Девушка с веером», «Портрет мадам Шарпантье с детьми» и др. В них он создает характерные образы современных ему парижанок, их своеобразную, неповторимую прелесть. Эти портреты нельзя назвать психологическими, но они привлекают живописным мастерством, живостью выражения, своеобразной поэтичностью и присущим большинству работ Ренуара ощущением полноты жизни. Ренуара называли «живописцем счастья». И действительно, сознание радости бытия пронизывает все его творчество. Веселая и оживленная атмосфера царит в одной из лучших картин Ренуара «Завтрак гребцов», где изображены его друзья — художники и натурщицы, а также будущая жена Алиса Шарига. Здесь, как и в ряде аналогичных по духу работ («Мулен де ла Га- летт», «Лодка в Шату» и др.), характерны выбор «случайной» точки зрения, естественное и в то же время хорошо продуманное размещение фигур, непринужденность поз, молодой задор и жизнерадостность веселящейся молодежи, дающие звучание основной ноте всего произведения.

Импрессионисты не ограничивались поисками новых приемов и методов. Они сами находились в гуще жизни.

Утверждение в живописи самой жизни и современной темы не было бы столь полным, не будь среди импрессионистов Огюста Ренуара.

Путешествие Ренуара по Италии и знакомство с ее богатейшими памятниками, затем кратковременное посещение Дрезденской картинной галереи произвели на художника огромное впечатление, заставили задуматься над дальнейшими путями собственного творчества. Позднее он вспоминал: «...и около 1883 года в моей живописи как бы произошел перелом. Я дошел до пределов «импрессионизма» и констатировал, что не умею ни писать, ни рисовать. Словом, я был в тупике». Его привлекают теперь четкая форма и рисунок, присущие мастерам классики. Стремясь преодолеть кризис, он опирается на традиции итальянцев и французского художника Энгра. Центральным произведением так называемого «энгровского периода» в творчестве Ренуара явилась картина «Купальщицы», над которой художник работал в течение трех лет. Обычная ренуаровская тема — изображение обнаженных женских фигур в разных ракурсах в пейзаже — воплощается теперь в четких объемах, ясно очерченных контурах, светлых и определенных красочных тонах, в гладкой «эмалевой» живописной манере.

Больной ревматизмом художник в 1900 году переселяется на юг Франции. В конце жизни Ренуар обращается к скульптуре, обнаруживая незаурядные способности (медальон с изображением сына художника Коко, бронзовый барельеф «Суд Париса», статуя «Венера» и др.).

Здоровье его постепенно ухудшается. Парализованы ноги, пальцы рук плохо слушаются. Ho художник упорно работает. Его переносят на носилках, прибинтовывают кисть к руке, и этот удивительный человек, все счастье которого заключалось в искусстве, продолжает писать картины, прославляющие красоту жизни.

В 1880-х годах кризис импрессионизма обозначился вполне определенно. К этому времени лучшие произведения импрессионистов были уже созданы и возможности метода в значительной мере были исчерпаны. В 1886 г. на последней выставке импрессионистов была представлена картина Сера «Воскресная прогулка в Гранд Шатт», которая ознаменовала отход от основных принципов импрессионизма. Жорж Сера и Поль Синьяк явились создателями нового течения во французском искусстве, получившем название неоимпрессионизма, или пуантилизма (от франц. pointiller — писать точками).

В отличие от импрессионистов, основывавших свое искусство на зрительном впечатлении, эти художники стремились подчинить свой метод научным, физическим и математическим законам. Используя некоторые приемы импрессионизма, в частности, дивизионизм, неоимпрессионисты довели их до абстракции. Они стремились фиксировать образы и предметы видимого мира путем раздельного нанесения на холст раздельными мазками правильной формы мелких мазков.

На развитие искусства XX века большое влияние оказали такие известные художники, как П.Сезанн, В. Ван Гог и П.Гоген, которые стали играть видную роль во французском искусстве несколько позже, чем импрессионисты, отчего их часто называют постимпрессионистами.

Творчество Поля Сезанна претерпело сложную эволюцию. Уже в ранних произведениях 1860-х годов Сезанн отказывается от традиционных приемов академического искусства и ориентируется на живопись таких художников, как Курбе, Делакруа, Домье. Он ищет способы передачи материальной сущности вещей: их формы, тяжести, фактуры. Копируя картины Делакруа, в частности, «Ладью Данте», он пытается выявить и по-своему осмыслить объемно-скульптурную сторону ее композиции. Позднее Сезанн советовал, копируя картины, воспринимать их и интерпретировать так, как если бы это была живая натура. 1870-е годы принято считать «импрессионистическим» периодом в его творчестве. Он часто пишет картины на пленэре в более светлой палитре. Однако художник никогда полностью не разделял взглядов импрессионистов. Он стремился передать не мимолетные впечатления, зависящие от движения, атмосферных явлений, света, а четкую материальную структуру предметов, их объемы, взаимосвязь, постоянный цвет. Творчество не являлось для Сезанна процессом легким и радостным. Живопись была для него прежде всего средством выразить свои ощущения, что в его понимании давало простор весьма вольной интерпретации действительности. Основные тенденции творчества Сезанна ярко проявились в произведениях 80-90-х годов в излюбленных жанрах художника — натюрмортах и пейзажах, а также в картинах, где объектом изображения являются люди. Сезанн стремится передать материально-объемную сторону натуры; передача плотной, весомой формы в его картинах достигается прежде всего путем фиксации контуров, которые нередко обводятся широкой резкой линией. Художник накладывает красочные мазки по форме объема так, что образуются ровные и «крепкие» плоскости, грани, сознательно применяет деформацию и геометризацию изображаемого. Сезанн говорил: «Все в природе лепится в форме шара, конуса, цилиндра; надо учиться писать на этих простых фигурах, и если вы научитесь владеть этими формами, вы сделаете все, что захотите».

Для своих натюрмортов он выбирает примерно один и тот же круг предметов в виде шара (фрукты), цилиндра (кувшин, бутыль). Сезанн подолгу мог использовать старые полусгнившие яблоки или даже их модель, так как меньше всего думал о передаче свежести и красоты даров земли. Для него фрукты в картине — всего лишь определенный объем, который он сочетал с другими формами, добиваясь впечатления материальности, весомости, плотности.

В пейзажах «Дома в Эстаке», «Пейзаж с мельницей в Понтуазе» и др. он выявляет вертикальные и горизонтальные линии и плоскости, подчеркивая грани крыш и стен домов, изогнутую крепкую поверхность шоссе, откосы гор, объемные массы деревьев и кустов, зеркало воды, то есть строит цельную и устойчивую конструкцию.

В 80 — 90-х годах для Сезанна характерны статичные композиции. Изображая человека, художник заставляет его позировать по многу раз и в абсолютно неподвижной позе, вконец измучивая модель. Зачастую он смотрит на человека так же, как на любой предмет в своем натюрморте, интересуясь лишь конструктивной стороной, передачей форм. Лишь в поздних работах у Сезанна наблюдается известный интерес к психологической характеристике образа («Портрет Вайе»).

Число поклонников таланта Сезанна при жизни художника росло медленно. До конца своих дней ему не удалось добиться официального признания. Правда, он был представлен на Всемирной выставке 1900 года и в осеннем Салоне (1904 и 1905 гг.), однако орден Почетного легиона, которого добивался художник, ему так и не вручили.

Сезанн оказал огромное влияние на развитие живописи XX века. Его достижения были подхвачены и развиты многими художниками разных стран, положены в основу новых направлений в живописи — кубизма, экспрессионизма и др.

Наряду с Сезанном, большое влияние на развитие искусства XX века оказал Винсент Ван Гог. Уроженец Голландии, Ван Гог первые тридцать лет своей жизни прожил на родине. Он переменил много профессий и далеко не сразу получил возможность заняться живописью. В 1880-х годах он приехал в Париж, где сблизился с художниками-импрессионистами и неоимпрессионистами. Их влияние сказывается в живописных поисках Ван Гога, в колорите, в технике. Ho метод самого Ван Гога строится не на фиксации зрительных, в частности, цветовых впечатлений от предмета, зависящих от световых и атмосферных условий, а на поисках экспрессивной формы, вызывающей эмоции и чувства, рожденные у художника впечатлениями от окружающей действительности. В работах, созданных в это время, сказалось влияние «дивизиониста» Сера (в «пуантилистической» манере исполнен, например, «Внутренний вид ресторана», а также «Красные гладиолусы в вазе»).

В 1888 г. Ван Гог покидает шумный Париж и поселяется на юге Франции, в маленьком провинциальном городке Арль. Здесь он создал замечательные пейзажи с видами Арля и его окрестностей («Жатва в Арле» и др.). Он с увлечением пишет весенние цветущие сады («Дерево в цвету»), выполняет портреты заинтересовавших его людей («Девушка из Арля», «Почтальон Рулен»). В это время Ван Гог обращается к изображению ночных сцен и передаче искусственного освещения. В знаменитом «Ночном кафе» Ван Гог, как он сам об этом пишет, «стремился показать, что кафе — место, где можно разориться, сойти с ума и совершить преступление...». «Я стремился передать красным и зеленым цветами ужасные человеческие страсти. Зал — кровяного и желто-глухого цвета, посредине зеленый биллиард, четыре лимонно-желтых лампы испускают оранжевый и зеленый свет. Повсюду борьба зеленых и красных цветов в их различных оттенках — и в маленьких фигурах спящих бродяг, и во всем пустом и печальном зале; везде контраст фиолетового и синего цветов...»

Напряженный труд и постоянные разногласия способствуют усилению болезненного состояния Ван Гога. Увидев свой портрет, написанный Гогеном, он приходит в нервное возбуждение и восклицает: «Это действительно я, но только сошедший с ума». Вечером того же дня в кафе возбужденный Ван Гог бросает стакан в голову Гогена. В припадке безумия Ван Гог ранит себя, отрезав ухо. Из госпиталя он выходит в январе 1889 г., однако болезнь все еще дает о себе знать. В это тяжелое время созданы знаменитый «Человек с трубкой» и «Автопортрет с отрезанным ухом», а также «Стул с табачной трубкой». Чувствуя свое одиночество, больной и отчаявшийся, он принимает решение добровольно уйти в лечебницу Сен-Реми. Находясь в больнице в течение года, Ван Гог в перерывах между обострениями болезни продолжает работу. Он пишет пейзажи, изображающие сад лечебницы и живописные окрестности: «Большая дорога в Провансе», «У подножия Альп», «Желтые хлеба с кипарисами». Частым мотивом в этих картинах являются кипарисы. Изгибаясь, подобно языкам пламени, они устремляются вверх, и все вокруг них вторит этому порыву — колышутся хлеба в полях, развеваются на ветру ветви густых кустарников, клубятся облака над круто изгибающейся линией гор. «Полыхающий» стиль характерен для поздних работ Ван Гога, полных динамики и предельной экспрессии. В это время и особенно в последний, оверский, период в произведениях художника наиболее яркое выражение находит та живописная манера, которая оказала в дальнейшем колоссальное воздействие на формирование западноевропейского экспрессионизма.

После выхода из больницы Ван Гог поселяется в Овере-на-Уазе. За состоянием здоровья Винсента в это время следит его друг — художник и знаток искусства доктор Гаше. Знаменитый «Портрет доктора Га- ше» — едва ли не лучший из портретов, написанных Ван Гогом. Поль Гаше сидит, подперев голову рукой, спокойно положив на стол вторую руку. Неподвижен взор человека, находящегося в глубоком раздумье. Ho эта статичность позы лишь подчеркивает ощущение внутреннего беспокойства, динамики и напряжения, которые порождаются всем строем картины. О чем думает Гаше — о смысле бытия, о жизни, о судьбе человека? Эти вопросы волновали самого Ван Гога и остались для него безответными. Ван Гог покончил жизнь самоубийством 29 июля 1890 года.

Поль Гоген родился 17 июня 1848 г. в Париже. Он был еще младенцем, когда его отец, либеральный журналист, в связи с обстановкой, сложившейся после 18 брюмера Луи Бонапарта, был вынужден покинуть Францию и вместе с семьей отправиться искать счастья в Перу. В пути его отец умер. Юношеские впечатления, связанные с путешествиями в заморские страны, рано пробудили у Гогена интерес к экзотическому и неизвестному. Работая в биржевой конторе М.Бертена, Гоген коллекционирует картины импрессионистов, в свободное время рисует сам, посещает Академию Ko- ларосси.

Ранние его работы (70 — 80-е гг.) выполнены в духе импрессионистов, в них чувствуется подражание пейзажам Писсарро («Зимний пейзаж»), композициям Ренуара («Семья Гогена»), морским видам К.Моне.

Тридцатилетний Гоген, отец пятерых детей, решительно порывает с прежним образом жизни, покидает банк и всецело посвящает себя искусству. По существу, вся его последующая жизнь — это история упорного труда, поиска идеала, стремления найти свой жизненный стиль, проходящих в обстановке постоянной нужды и неустроенности, которые заставляют художника постоянно переезжать с места на место. Чтобы заработать на жизнь, ему пришлось наняться простым рабочим на строительстве Панамского канала, откуда, заболев лихорадкой, Поль попадает на Антильские острова.

Картины, выполненные в это время Гогеном, говорят о начавшемся отходе от импрессионизма, о стремлении к упрощенной форме, декоративности, большей звучности цвета. Поиски нового усилились во Франции, в Понт-Авене, где он работает с весны 1886 года. Группа молодых живописцев (Серюзье, Море, Сеген, Фу- лиже, Бернар и др.) считает его своим руководителем (так называемая Понт-Авенская школа). Один из новых живописных приемов, найденных Бернаром и Анке- теном, приводит Гогена к разработке метода «клуа- зонизма» («синтетизма»). Контур, нанесенный на холст толстой синей или черной линией, изнутри заполняется ровным цветом, образующим красочное пятно. Этот метод, позволявший добиться упрощения и вместе с тем выразительности силуэта, декоративных цветовых эффектов, удачно применен Гогеном в картине «Борьба Иакова с ангелом» и многих других работах.

Во время международной выставки в 1889 г. Гоген и его последователи организуют в кафе Вольпини экспозицию картин «группы импрессионистов и синтетиков», не имевшую успеха. Равнодушие публики, постоянная нужда, утомление от напряженной работы приводят мастера к решению покинуть Францию и бежать от «цивилизации» в далекую Океанию, на остров Таити.

Время пребывания в Океании — наиболее зрелый, яркий и значительный период в творчестве художника. Изображая таитян, их быт, обычаи, религиозные обряды, он находит художественные приемы, позволяющие полнее передать своеобразный колорит Полинезии, совсем особый, отличный от Европы ритм жизни. Здесь он пишет один из лучших своих пейзажей — «Под пандановыми деревьями». Во многих картинах Гоген располагает почти статичные фигуры на плоскостном цветном фоне, создавая красочные и декоративные панно. Легенды и верования, с которыми знакомят Гогена его жена маори Terypa и ее соотечественники, находят отражение в живописи художника. Он вводит в картины изображения божеств и фантастических существ, усиливая элемент таинственности и экзотичности, придумывает многозначительные названия, заставляющие искать в изображении скрытый смысл.

Упорная работа, борьба за существование, страдания, голод, недоумение и враждебность, с которыми публика встречала его картины, доводят художника до отчаяния. Он пытается покончить с собой. Ho именно в эти трудные годы Гоген создает наиболее известные свои картины: «Женщина под деревом манго», «Жена короля», «Откуда мы приходим? Кто мы? Куда идем?». Первые две картины — лучшее у Гогена изображение обнаженного тела. Последнюю картину считают едва ли не главным произведением Гогена. В правой части этой вытянутой по горизонтали огромной композиции (1,39x3,74 м) художник изобразил только что родившегося ребенка, в центре — юношу, срывающего плоды, слева — старика, завершающего жизненный путь (картина читается справа налево, Гоген здесь следует приему восточноазиатского искусства).

В 1901 году последняя надежда приводит Гогена на остров Доминик (Хива-Оа). Он поселяется в Антуане и строит на сваях «дом радости». Тяжелобольной, доведенный до отчаяния, он умирает 8 мая 1903 года.